Dios, que viene al mundo, para salvar al hombre del pecado. “LA ANUNCIACIÓN” DE FRA ANGELICO, PERSONIFICACIÓN DE LA ELEGANCIA Y LA DELICADEZA.
Comenzamos con la obra del fraile dominico, Fra Angelico (Vicchio 1395-Roma 1455), una tabla realizada en témpera y oro que, pese a su genialidad, corresponde a la primera etapa del pintor florentino.
Esto explicaría la torpeza en el uso de la perspectiva, el carácter irreal casi sublime de la arquitectura o el escueto conocimiento de la anatomía, rasgos todos del primer Renacimiento, al tiempo que perduran otros antiguos, como las bóvedas azuladas, propio del gótico internacional todavía vigente.
Durante el Quattrocento italiano trabajaban al mismo tiempo artistas del último gótico junto a otros más innovadores como Masaccio o Donatello. Fra Angelico tomó el refinamiento de los primeros y el realismo de los segundos, aportando además sus elementos característicos: figuras idealizadas, poco volumen y unos colores brillantes pero casi planos.
Frente a estas novedades formales, la iconografía sigue siendo la tradicional. En un lado, el izquierdo, se muestra el pecado representado en la expulsión de Adán y Eva del paraíso pero, en contraposición, la escena principal muestra la esperanza, es decir el momento en el que el arcángel Gabriel anuncia a María que va a ser la madre del Salvador.
Pintor del dibujo y la elegancia, su mayor aportación es la exquisita dulzura y delicadeza que destila la obra, el lujo de los atuendos o el preciosismo que enlaza con la escuela de Siena.
“TRÍPTICO DE LA EPIFANÍA” , EL BOSCO MÁS SÓLIDO Y MONUMENTAL.
Esta obra de El Bosco (Bolduque, Países Bajos), realizada en torno a 1510, seis años antes de su muerte, representa el periodo más maduro del pintor de “El Jardín de las delicias”. Su paleta de color se muestra tan brillante y luminosa como antes, sin embargo, ahora supera las limitaciones de ese miniaturismo tan característico del pintor flamenco, y donde lo divino es narrado evitando caer en lo macabro.
Los personajes alcanzan un volumen más sólido y monumental, incluso aquella perspectiva ingenua adquiere ahora más desarrollo. Sin duda el tema lo requiere por lo que adquiere un tono más solemne para enfatizar el mensaje de la redención: la llegada del Salvador al mundo.
ÉXTASIS Y PLENITUD EN “LA NATIVIDAD” DE EL GRECO.
Inmensa es esta obra de El Greco (Heraclión, Grecia, 1541- Toledo, España, 1614), y no solo por su tamaño, considerada la última obra maestra del pintor cretense que vivió gran parte de su vida en España. El destino de esta pintura era precisamente su tumba en el convento de Santo Domingo el Antiguo de Toledo, donde el pintor recibió su primer encargo al llegar a España en 1575.
Se trata de una escena nocturna desarrollada en un espacio estrecho e irregular, una especie de gruta en torno a la que se cobijan María con su recién nacido sobre el regazo, San José y tres pastores que evidencian la intensa devoción del momento.
Iconográficamente, el Niño Jesús es el foco de la luz que ilumina la escena, aquí potentísima y que alumbra al grupo que lo contempla. Todo el conjunto coronado por un grupo de ángeles a modo de bóveda celeste. La composición en espiral crea un movimiento en ascensión que acentúa el alargamiento y distorsión de las figuras, mientras que las poses poco naturales pero dinámicas potencian esa sensación de éxtasis que parece envolverlo todo.
De la misma manera los fuertes contrastes entre luz y sombra realzan el dramatismo, sin renunciar a los colores vivos y brillantes, tan venecianos, que tanto influyeron en El Greco, y que convierten esta obra en una de las obras más reconocidas del autor, considerado uno de los precursores del arte moderno.
“LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS” O LA OPULENCIA CREADORA DE RUBENS.
El Museo del Prado conserva una de las obras maestras de Pedro Pablo Rubens (Siegen, Alemania 1577- Amberes, Bélgica 1640), “La Adoración de los Reyes Magos” realizada en torno a 1609 por encargo del Ayuntamiento de Amberes tras pasar unos años en Italia. Una obra que exhala pasión y dramatismo por los cuatro costados, en la que el autor parece sintetizar todo lo aprendido en Italia.
La monumentalidad de sus proporciones se acentúa con esa disposición majestuosa de los personajes que convergen en el Niño, situado en el lateral izquierdo, punto central de la obra y única fuente de luz de la escena que se irradia a los rostros de la Virgen y los Magos.
A pesar de ser una de sus obras más desbordante está organizada con esmero; una diagonal parte simbólicamente del Niño hasta llegar al ángulo superior derecho.
Una composición en la que todo es grandioso y arrebatado, pero donde cada personaje se estudia de manera individualizada.
El ropaje de los Magos de rico colorido o las joyas de Baltasar, acentúan el lujo y la opulencia del cortejo.
La obra fue realizada con una composición más horizontal, cuyas primeras figuras recuerdan los vigorosos cuerpos de Miguel Ángel o Caravaggio, a la que Rubens añadió, veinte años después, otra franja superior en la que incluyó un autorretrato, a la derecha montado a caballo con espada y cadena de oro, símbolos de la condición nobiliaria que le otorgó el rey español Felipe IV, dejando claro que, además de pintor, políglota, adinerado y con don de gentes, fue diplomático de la corte.
GRANDEZA Y SENCILLEZ EN “LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS”, DE VELÁZQUEZ.
El genio del barroco español Diego Velázquez (Sevilla 1599- Madrid 1660) representó “La Adoración de los Magos” durante sus años de juventud en Sevilla, en la que confluyen el Naturalismo propio de aquella etapa, con elementos biográficos aportados tras el hallazgo de un autorretrato del pintor Francisco Pacheco, maestro del genio sevillano y después su suegro, que ha permitido -en opinión de sus biógrafos- reconocer a éste en la figura de Melchor, por lo que es presumible pensar que su esposa, Juana, y su hija Francisca, de pocos meses, sirvieran de modelos para la Virgen y el Niño.
Destaca la variedad de tipos y actitudes humanas representadas o la variada gama cromática que, aunque abundante en ocres y oscuros, propios de esta primera etapa, ya anticipa los rojos, blancos y azules.
Desde un punto de vista narrativo el tema está abordado de forma sencilla pero eficaz: cuerpos monumentales que llenan toda la composición y dispuestos en un plano muy próximo y directo al espectador, lo que acentúa la intensidad expresiva, una combinación de grandeza e intimidad que nunca abandonarán al genio sevillano.
“LA ADORACIÓN DE LOS PASTORES” DE ZURBARÁN, TERNURA Y DIGNIDAD
El extremeño Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, Badajoz 1598 - Madrid 1664) otro de los grandes del barroco español, recurre al Naturalismo tenebrista para pintar “La Adoración de los Pastores”, una escena llena de solemne intimidad. Todos los personajes están envueltos de una majestad, de una dignidad que no contradice su condición humilde. Destaca, sin embargo, la figura de la pastorcilla que ofrece una cesta de huevos, un personaje realista que contrasta frente a la idealización de los principales.
Las figuras están dotadas de un volumen casi tangible, gracias a los efectos lumínicos aplicados sobre ellas. Para recrear la noche en la que nació Jesús, el autor crea un ambiente oscuro y misterioso, una escena iluminada desde el cuerpo del recién nacido, en referencia, nuevamente, a la idea del nacimiento del Salvador como luz del mundo.
